Belcanto è una tecnica di canto virtuoso. Formazione vocale. canto lirico

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

Lunghe file di frasi musicali, passaggi melodici e grazie, incredibile controllo vocale e affilata bellezza del canto virtuoso. A cavallo tra il XVI e il XVII secolo in Italia sorse una scuola di canto, che diede al mondo una tecnica vocale esecutiva, che gli italiani, avidi di termini pretenziosi, diedero il nome di bel canto (bel canto) - "bel canto". Non esageriamo, segnando questo periodo come l'inizio del periodo di massimo splendore della voce teatrale e il punto di partenza per l'ulteriore sviluppo del genere operistico.

La nascita dell'Opera: Firenze

Le prime opere apparse nel periodo descritto devono la loro nascita a membri di una ristretta cerchia di amanti dell'arte antica, formatasi a Firenze ed entrata nella storia della musica con il nome di "Firenze Camerata". I fan dell'antica tragedia greca sognavano di far rivivere l'antica gloria di questo genere ed erano dell'opinione che gli attori non parlassero, ma cantassero le parole, usando il recitativo, una transizione melodica regolare di suoni, per riprodurre il testo.

Le prime opere scritte sulla trama dell'antico mito greco di Orfeo divennero lo slancio per la nascita di un nuovo genere musicale- opere. E le parti vocali soliste (arie) che fungevano da parte integrante hanno costretto i cantanti a impegnarsi seriamente nell'allenamento vocale, motivo per l'emergere dell'arte del bel canto - il bel canto. Ciò implicava la capacità di eseguire frammenti melodici persistenti su un lungo respiro pur mantenendo una produzione sonora regolare per tutta la frase musicale.

Scuola napoletana

Alla fine del XVII secolo si formò la tradizione operistica napoletana, stabilendo finalmente l'arte del bel canto sulla scena teatrale. Fu sia uno sviluppo dell'idea fiorentina che un cambiamento in essa. A Napoli, la musica e il canto divennero la componente principale dello spettacolo, e non la poesia, a cui fino a quel momento era stato assegnato il ruolo dominante. Questa innovazione ha soddisfatto il pubblico e ha suscitato grande entusiasmo.

I compositori napoletani trasformarono strutturalmente l'opera. Non abbandonarono l'uso dei recitativi, che divisero in diverse tipologie: accompagnati (accompagnati da un'orchestra) e asciutti, contenenti informazioni presentate in maniera colloquiale a rari accordi di clavicembalo per mantenere la tonalità musicale. La formazione vocale, che è diventata obbligatoria per gli artisti, ha aumentato la popolarità dei numeri da solista, anche la cui forma ha subito modifiche. Sono apparse arie tipiche in cui i personaggi esprimevano i sentimenti in modo generalizzato, in relazione alla situazione, e non in base all'immagine o al personaggio. Arie lugubri, buffonesche, quotidiane, appassionate, di vendetta: lo spazio interiore dell'opera napoletana era pieno di contenuti vivaci.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Il compositore eccezionale ed entusiasta Scarlatti è passato alla storia come il fondatore della scuola d'opera di Napoli. Ha realizzato più di 60 opere. Il genere dell'opera seria (opera seria), creato da Scarlatti, raccontava la vita di famosi eroi con l'aiuto di una trama mitologica o storica. Il canto dell'opera ha messo in secondo piano la linea drammatica della performance e i recitativi hanno lasciato il posto alle arie.

L'ampia gamma di parti vocali nell'opera seria ha ampliato i requisiti che le voci d'opera dovevano soddisfare. Gli interpreti migliorarono nell'arte del canto, anche se a volte ciò portava a curiosità: ognuno di loro voleva che il compositore includesse nell'opera arie che sottolineassero favorevolmente la dignità della voce. Il risultato fu una raccolta di brani solisti non correlati, che portò l'opera seria a essere definita un "concerto in costume".

Bellezza e artigianato

Un altro contributo della scuola d'opera napoletana allo sviluppo del bel canto fu l'uso delle decorazioni ornamentali (coloratura) della tavolozza musicale nelle parti vocali. La coloratura è stata utilizzata alla fine delle arie e ha aiutato gli artisti a dimostrare al pubblico il grado di controllo vocale. Grandi s alti, trilli, passaggi a distanza, l'uso della sequenza (ripetizione di una frase musicale o svolta melodica in diversi registri o chiavi) - hanno così aumentato la tavolozza espressiva utilizzata dai virtuosi del bel canto. Ciò ha portato al fatto che il grado di abilità del cantante è stato spesso valutatosecondo la complessità della coloratura che esegue.

La cultura musicale italiana ha richiesto molto. Le voci di cantanti famosi si distinguevano per la loro bellezza e ricchezza timbrica. La formazione vocale ha aiutato a migliorare la tecnica di esecuzione, a raggiungere l'uniformità e la fluidità del suono in tutte le gamme.

Primi conservatori

La richiesta del bel canto ha portato alla formazione delle prime istituzioni educative che hanno formato i cantanti. Gli orfanotrofi - conservatori - divennero le prime scuole di musica dell'Italia medievale. La tecnica del bel canto veniva insegnata in loro sulla base dell'imitazione, ripetizione dopo l'insegnante. Questo spiega l' alto livello di formazione dei cantanti di quel tempo. Dopotutto, hanno studiato con maestri riconosciuti come Claudio Monteverdi (1567-1643) o Francesco Cavalli (1602-1676).

Agli studenti sono stati composti esercizi speciali per lo sviluppo della voce, il solfeggio, che doveva essere ripetuto, il miglioramento della tecnica canora e lo sviluppo della respirazione, abilità così necessarie per il bel canto. Ciò ha portato al fatto che, dopo aver iniziato la formazione all'età di 7-8 anni, all'età di 17 anni, artisti professionisti per il palcoscenico dell'opera sono emersi dalle pareti del conservatorio.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Con il suo aspetto, il bel canto italiano ha predeterminato la tendenza di sviluppo della cultura musicale operistica per i successivi tre secoli. Una pietra miliare nel suo sviluppo è stata l'opera del compositore italiano G. Rossini. L'energia ritmica, la brillantezza e la mobilità delle parti vocali richiedevano agli interpreti una ricca varietà timbrica, virtuosismo eeccezionale scuola di canto. Anche le arie e i recitativi cantilenanti nelle composizioni di Rossini richiedevano piena dedizione.

Il melodismo di Rossini ha aperto la strada al bel canto classico, caratterizzato dalla completezza delle frasi, dalla pulizia gentile e ariosa, dalla melodia morbida e fluida (cantilena) e dall'ardore sensualmente sublime. È interessante notare che lo stesso compositore conosceva in prima persona l'arte del canto. Da bambino ha cantato nel coro della chiesa e da adulto, oltre a comporre, si è dedicato con entusiasmo alla pedagogia vocale e ha anche scritto diversi libri su questo argomento.

Pedagogia

Il canto lirico italiano, divenuto simbolo della cultura musicale europea del XVII-XIX secolo, è apparso grazie al lavoro di insegnanti dotati e innovativi che hanno studiato la voce e sperimentato la voce umana, portandone alla perfezione il suono. Le tecniche descritte nei loro scritti sono ancora usate nella preparazione dei cantanti.

Nessun dettaglio è sfuggito all'attenzione degli insegnanti. Gli alunni hanno compreso i segreti del respiro canoro libero e facile. La formazione vocale assumeva un volume sonoro moderato, brevi frasi melodiche e intervalli ristretti, che consentivano di utilizzare la respirazione vocale, caratterizzata da un respiro rapido e profondo seguito da una lenta espirazione. Sono stati sviluppati complessi di esercizi per addestrare una produzione sonora omogenea nei registri alti e bassi. Anche l'allenamento davanti a uno specchio faceva parte del corso di formazione per artisti alle prime armi: espressioni facciali eccessive e un'espressione facciale tesa tradivano il lavoro convulsodispositivo vocale. Si raccomandava di tenersi rilassati, stare dritti e con l'aiuto di un sorriso per ottenere un suono chiaro e vicino.

Nuove tecniche di canto

Parti vocali complesse, drammaturgia e spettacoli teatrali ponevano compiti difficili per i cantanti. La musica rifletteva il mondo interiore dei personaggi e la voce è diventata parte integrante dell'immagine scenica complessiva. Ciò si manifestò chiaramente nelle opere di G. Rossini e G. Verdi, la cui opera segnò l'ascesa dello stile belcantistico. La scuola classica considerava accettabile l'uso del falsetto sulle note acute. Tuttavia, la drammaturgia ha rifiutato questo approccio: nella scena eroica, il falsetto maschile è entrato in dissonanza estetica con la colorazione emotiva dell'azione. Il primo a superare questa soglia vocale fu il francese Louis Dupre, che iniziò ad utilizzare la modalità di produzione del suono, che stabilisce meccanismi fisiologici (restringimento della laringe) e fonetici (lingua in posizione ad “Y”) per la protezione della voce apparato e poi chiamato “coperto”. Permetteva di formare la sezione superiore della gamma sonora senza passare al falsetto.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Rivedendo l'arte vocale operistica, è impensabile ignorare la figura e l'eredità creativa del grande compositore italiano G. Verdi. Ha trasformato e riformato l'opera, introdotto contrasti e opposizioni trame. Fu il primo dei compositori a prendere parte attiva all'elaborazione della trama, alla scenografia e alla produzione. Nelle sue opere dominavano tesi e antitesi, sentimenti e contrasti imperversavano, unitibanale ed eroico. Questo approccio ha dettato nuovi requisiti per i cantanti.

Il compositore è stato critico nei confronti della coloratura e ha affermato che trilli, abbellimenti e gruppetto non sono in grado di diventare la base di una melodia. Non ci sono quasi decorazioni ornamentali nelle composizioni, rimanendo solo in parti di soprano, per poi scomparire completamente dalle partiture d'opera. Le parti maschili nei momenti culminanti sono state spostate al registro acuto utilizzando il "suono coperto" già descritto in precedenza. Gli esecutori delle parti baritonali sono stati costretti a ricostruire il lavoro dell'apparato vocale a partire da una tessitura alta (disposizione dei suoni in alta quota rispetto all'estensione del canto), dettata dal riflesso dello stato emotivo dei personaggi. Ciò ha portato all'emergere di un nuovo termine: "Verdi baritono". L'opera di G. Verdi, 26 bellissime opere messe in scena alla Scala, segnò la seconda nascita del bel canto - l'arte di padroneggiare la voce portata alla perfezione.

Tour mondiale

Lo stile vocale leggero e aggraziato non può essere mantenuto entro i confini di uno stato. La maggior parte dell'Europa cadde gradualmente sotto il suo incantesimo. Il bel canto ha conquistato la scena teatrale mondiale e ha influenzato lo sviluppo della cultura musicale europea. Si formò una direzione d'opera, che ricevette il nome di "belkanta". Lo stile ha spinto i confini della sua applicazione ed è entrato nella musica strumentale.

La melodia virtuoso di F. Chopin (1810-1849) sintetizzava la poetica popolare polacca e il bel canto operistico italiano. Le eroine sognanti e gentili delle opere di J. Masnet (1842-1912) sono piene di fascino da belcanth. L'influenza dello stile si è rivelata così grande che la sua influenza sulla musica è diventata davvero grandiosa, estendendosi dal classicismo al romanticismo.

Collegare culture

Il grande compositore M. I. Glinka (1804-1857) divenne il fondatore dei classici russi. La sua scrittura orchestrale - sublimemente lirica e allo stesso tempo monumentale - è piena di melodia, in cui sono visibili sia le tradizioni del canto popolare che la raffinatezza belkante delle arie italiane. La cantilena loro peculiare si è rivelata simile alla melodiosità delle lunghe canzoni russe: veritiera ed espressiva. Il predominio della melodia sul testo, i canti intra-sillabi (accentuazione del canto delle singole sillabe), le ripetizioni del discorso che creano la lunghezza della melodia - tutto questo nelle opere di M. I. Glinka (e di altri compositori russi) è stato sorprendentemente armoniosamente combinato con le tradizioni dell'opera italiana. Le canzoni popolari persistenti, secondo la critica, meritavano il titolo di "bel canto russo".

Nel repertorio delle stelle

La brillante era del bel canto italiano terminò negli anni '20. Gli sconvolgimenti militari e rivoluzionari del primo quarto del secolo hanno cancellato l'essenza normativa del pensiero operistico romantico, è stato sostituito dal neoclassicismo e dall'impressionismo, dal modernismo, dal futurismo e altri divisi in direzioni. Eppure, le famose voci operistiche non hanno mai smesso di rivolgersi ai capolavori della voce classica italiana. L'arte del "bel canto" è stata brillantemente padroneggiata da A. V. Nezhdanov e FI Chaliapin. Il maestro insuperabile di questa direzione del canto era L. V. Sobinov, chiamato ambasciatore del bel canto in Russia. Le grandi Maria Callas (USA) e Joan Sutherland (Australia), insignite dai colleghi del titolo di "Voice of the Century", il tenore lirico Luciano Pavarotti (Italia) e l'insuperabile basso Nikolai Gyaurov (Bulgaria) - la loro arte si basava sul basi artistiche ed estetiche del bel canto italiano.

Conclusione

Le nuove tendenze nella cultura musicale non sono riuscite a eclissare lo splendore della classica opera bel cante italiana. A poco a poco, i giovani artisti cercano le informazioni conservate nelle note dei maestri degli anni precedenti sulla corretta respirazione, la produzione del suono, la scultura vocale e altre sottigliezze. Questo non è un interesse ozioso. Il pubblico sofisticato ha risvegliato la necessità di non ascoltare un'interpretazione moderna di opere classiche, ma di immergersi nello spazio temporaneo affidabile di un'arte canora impeccabile. Forse questo è un tentativo di svelare il mistero del fenomeno del bel canto: come, nell'era del divieto delle voci femminili e delle preferenze per un registro maschile acuto, potesse nascere una direzione canora sopravvissuta ai secoli e trasformata in un sistema armonioso che ha gettato le basi per la formazione di cantanti professionisti per diversi secoli.