Scala del temperamento: concetto, storia dell'occorrenza e fondamenti della teoria musicale

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

Una delle creazioni più famose di Johann Sebastian Bach si chiama Clavicembalo ben temperato, o "HTK" in breve. Come va intesa questa voce? Fa notare che tutte le opere del ciclo sono state scritte per il clavicembalo, che ha una scala temperamentale, cioè quella tipica della maggior parte degli strumenti musicali moderni. Quali sono le sue caratteristiche e come è apparso? Imparerai questo e molto altro dall'articolo.

Informazioni generali

La scala temperata presuppone che ogni ottava (la distanza tra le stesse note di altezze diverse) sia divisa in un certo numero di intervalli uguali. Nella maggior parte dei casi di utilizzo di tale accordatura, i suoni sono disposti in semitoni. Se immaginiamo una tastiera di pianoforte, allora esattamente questo intervallo è uguale alla distanza tra ciascunochiave adiacente. Lo stesso si può dire di qualsiasi altra tastiera, fiato o altro strumento.

Ad esempio, su una chitarra, tra note adiacenti sulla stessa corda, viene posizionato un intervallo di un piccolo secondo, che equivale a mezzo tono.

Valore del temperamento

Il nome di questo sistema deriva dalla radice latina che significa misura. Pertanto, questo risultato può essere attribuito non solo alla teoria musicale, ma anche alla matematica. In effetti, i tentativi di sviluppare un tale sistema fin dai tempi antichi sono stati fatti da persone che erano professionisti in queste due aree di conoscenza e conoscevano anche altre scienze, ad esempio la fisica. E questo non sorprende, poiché in questo caso una persona ha a che fare con le vibrazioni dell'aria, che producono suoni.

I calcoli matematici hanno aiutato i ricercatori a sistematizzare i suoni che compongono l'ottava in questo modo, al fine di rendere più facili per i musicisti alcuni compiti di esecuzione. Ad esempio, l'introduzione del sistema musicale temperamentale ha permesso di semplificare notevolmente il trasporto delle opere. Ora suonare la stessa composizione in chiavi diverse non richiede un apprendimento ripetuto. Se una persona conosce le basi della teoria musicale e dell'armonia, sarà in grado di suonare un brano in qualsiasi tonalità. Molti anni di esperienza ti permettono di farlo abbastanza velocemente.

Caratteristiche

L'accordatura temperamentale si è rivelata utile principalmente nell'esecuzione di musica vocale. Con la sua introduzione, i cantanti hanno avuto l'opportunità di eseguire opere nel modo più convenientetono per loro. Ciò significa che i cantanti si sono sbarazzati della necessità di sovraccaricare le corde vocali, prendendo note troppo basse o alte che non sono caratteristiche della loro estensione. Naturalmente, tale manipolazione libera del materiale musicale non è gradita in tutti i generi. Prima di tutto, riguarda la musica classica. Ad esempio, l'esecuzione di arie d'opera in tonalità diverse dall'originale è considerata inaccettabile.

È anche inaccettabile trasportare sinfonie, concerti strumentali classici, sonate, suite e opere di molti altri generi. A differenza della musica pop, qui la tonalità ha un'importanza molto maggiore. La storia conosce esempi di alcuni compositori che hanno un orecchio musicale "colorato". Cioè, per questi artisti, ogni chiave era associata a una certa tonalità. Scriabin e Rimsky-Korsakov differivano in questa percezione della musica.

Altri compositori classici, sebbene non avessero una tale percezione "colorata" del suono, distinguevano comunque le tonalità da altre caratteristiche (calore, saturazione e così via). Il trasporto delle loro opere in chiavi arbitrarie è inaccettabile, poiché distorce l'intenzione dell'autore.

Aiutante indispensabile

Tuttavia, anche tali compositori non hanno negato l'importanza del temperamento equabile per lo sviluppo dell'arte musicale. Il libero passaggio da una chiave all' altra non ha solo un evidente vantaggio "pratico", poiché consente agli esecutori di sentirsi a proprio agio quandosuonare e cantare. Con la giusta scelta di tonalità, la voce del cantante suona molto più brillante e naturale rispetto a quando fa del suo meglio per eseguire note insolite per la sua gamma (bassa o alta).

La scala di temperatura (e quindi il cambio libero delle chiavi) offre la possibilità di scrivere opere con un gran numero di deviazioni e modulazioni tonali. E questa, a sua volta, è una vivida tecnica visiva ampiamente utilizzata nella musica classica. Con l'avvento dell'era della pop art, l'uso delle modulazioni è diventato ancora più importante. Quindi, nelle improvvisazioni jazz, vengono spesso utilizzate sequenze armoniche, spostandosi da una tonalità all' altra. Pertanto, la scala del temperamento può essere definita uno dei motori del progresso nella musica.

Cronologia

La ricerca teorica nel campo della musica iniziò in tempi antichi. Uno dei primi scienziati che iniziò a prestare attenzione alla formazione fu l'antico matematico greco Pitagora. Tuttavia, anche prima della nascita di questa persona eccezionale, c'erano molti strumenti musicali con un sistema già formato. Le persone che li suonavano spesso non avevano idea né delle proprietà fisiche del suono né delle basi della teoria musicale. Hanno imparato la loro arte, comprendendo intuitivamente molte delle sue saggezze.

Cioè, in quel lontano tempo, le persone per tentativi ed errori impararono le leggi acustiche che stanno alla base della teoria musicale e dell'armonia. E queste scienze, come sapete, non sono inferiori nella loro complessità alla matematica superiore. Un pensatore in seguito disse:che musicisti e compositori sono inconsciamente impegnati a risolvere i più complessi problemi fisici e matematici. Il primo serio ricercatore di questi problemi fu il già citato Pitagora.

Sistema pitagorico

Uno scienziato greco antico condusse esperimenti con il suono del più semplice strumento musicale, che consisteva in un corpo di legno e una sorgente sonora tesa su di esso - una singola corda.

Ha inventato il suo sistema, chiamato Pitagora. I suoni al suo interno erano arrangiati in quinte pure. L'uso di un tale sistema ha permesso ad alcuni strumenti di ridurre il numero di corde. Prima di questo, tutti gli strumenti erano disposti come un'arpa, cioè ciascuna delle loro corde poteva produrre solo una nota. Non è stato utilizzato il pizzicamento delle dita. Tuttavia, con l'introduzione del sistema pitagorico, i musicisti non potevano ancora cambiare la tonalità né dell'intera opera né di parte di essa. Questo sistema di accordatura è stato utilizzato fino al Medioevo. Quindi gli organi per l'esecuzione della musica sacra sono stati accordati secondo il modello dell'antico greco. Questo sistema, oltre agli svantaggi elencati, presentava altri due svantaggi. In primo luogo, la scala in essi contenuta non era chiusa. Ciò significa che, dopo aver iniziato a suonare la scala da a, era impossibile arrivare alla stessa nota, ma di un'ottava più alta.

In secondo luogo, gli strumenti accordati in questo modo avevano sempre diversi suoni cosiddetti "lupo", cioè tasti o tasti, il cui suono faceva cadere l'asse della tonalità in cui era accordato l'intero strumento.

Musica prima del barocco

Musicisti, compositori e liutai nel Medioevo erano costantemente alla ricerca dell'accordatura perfetta. Gli artisti del teatro itinerante erano famosi per il loro virtuosismo di liuti. Con l'accompagnamento di questo strumento sono stati eseguiti versi comici su argomenti di attualità. Gli artisti hanno dovuto riaccordare il loro strumento alla ricerca della chiave giusta per abbinare la loro estensione vocale, e questo ha comportato più che allentare o stringere le corde, come accade oggi.

Questa procedura ha richiesto un cambio di tasti. Non erano saldamente attaccati alla tastiera come lo sono sulle chitarre moderne. Quindi sono stati sostituiti da imbracature fatte di pelle di animale e che si muovevano liberamente lungo la tastiera. Quindi, durante la ricostruzione dello strumento, è stato necessario spostare anche questi tasti. Non è un caso che in quei giorni scherzassero sul fatto che i liutisti trascorressero un terzo della loro vita ad accordare lo strumento.

Inoltre, nel sistema pitagorico non esisteva il concetto di suoni uguali enarmonici. Cioè, la nota "FA diesis" non suonava come "G bemolle".

Opzioni diverse

Un sistema di accordatura quasi moderno risale ai tempi di Johann Sebastian Bach.

Si chiamava "accordatura ben temperata". Qual era la sua essenza? Come già accennato, prima non c'erano suoni uguali enarmonici. Cioè, se allora esisteva un pianoforte moderno, allora tra i tasti "do" e "re" ce ne sarebbero dovuti essere duenero: Do diesis e Re bemolle, invece di quello odierno che esegue entrambe queste funzioni.

Durante il periodo di Johann Sebastian Bach, la musica in tonalità con un gran numero di diesis e bemolle guadagnò ampia popolarità. I compositori iniziarono a usare una mossa complicata: per comodità dell'esecuzione, spesso facevano sostituzioni enarmoniche. Ad esempio, invece di "sol bemolle" hanno iniziato a scrivere "fa diesis" nelle partiture. Ma queste note non erano uguali tra loro in quel momento. Cioè, il loro suono, anche se non molto, ma diverso. Pertanto, l'ascolto di tale musica metteva le persone a disagio.

Inaccurato ma conveniente

Ma presto fu trovata una via d'uscita da questa situazione. Due note situate tra gradini adiacenti della scala sono state sostituite da una che si trovava tra di loro. Questo suono era solo approssimativamente uguale a queste due note, o meglio, era il loro valore medio. Tuttavia, una tale innovazione ha aperto opportunità per compositori e artisti.

Squame naturali e temperate

Una scala naturale è quella che contiene solo i passaggi principali della scala. I rapporti tra loro sono i seguenti: due toni - un semitono - tre toni - un semitono. Secondo questo schema, vengono accordati gli strumenti popolari più semplici: canne, canne e così via.

Su ognuna di esse puoi suonare solo in due tonalità: maggiore e minore.

L'emergere di un nuovo ordine

Nel 18° secolo, diversi teorici della musica proposero l'introduzione di una nuova accordatura. AIn esso, l'ottava era divisa in 12 note, in ritardo l'una dietro l' altra esattamente di mezzo tono. Questo sistema è chiamato temperamento equabile. Aveva molti sostenitori, ma c'era anche un numero sufficiente di aspre critiche. Il ruolo del creatore del sistema temperato è attribuito a più persone contemporaneamente. I nomi di Heinrich Gramateus, Vincenzo Galilei e Maren Marsenna suonano più spesso a questo proposito.

Contradizione

Alla domanda "Quale scala si chiama temperamento equabile?" La seguente risposta può essere considerata abbastanza completa: "Questo è un sistema in cui un'ottava contiene dodici note disposte in semitoni". Alcuni critici di questo approccio all'accordatura degli strumenti hanno affermato che non è perfettamente accurato e l'accordatura naturale suona molto più pulita. È in questo sistema che i musicisti dilettanti del popolo cantano e suonano. Nelle memorie dello scrittore, compositore e teorico musicale Vladimir Odoevsky, si può trovare una storia su come una volta invitò uno di questi cantanti a fargli visita. Quando Odoevsky iniziò ad accompagnare l'ospite, sentì che la scala del temperamento del pianoforte non corrispondeva alle note cantate da questa persona.

Dopo quell'incidente, il compositore ha accordato il suo pianoforte in un modo diverso. Il suo suono è quasi naturale.

Conclusione

È successo nel diciannovesimo secolo. Ma le controversie tra sostenitori e oppositori del sistema del temperamento pari nella musica non si fermano ancora. Il primo protegge la possibilità di una transizione libera a chiavi diverse e il secondo rappresenta la purezza dell'accordatura dello strumento. Ce ne sono anche altriopzioni di personalizzazione più esotiche. Un esempio è la chitarra a microtoni. Ma la stragrande maggioranza degli strumenti nel mondo ha ancora un temperamento equabile.