Composizione a più figure: tipi, tecnica

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

La composizione a più figure è un tipo di composizione che consiste in un gran numero di figure combinate in un gruppo. Questa varietà è considerata una delle più difficili nella pittura. Sebbene le sagome siano di grande importanza nel contenuto semantico dell'immagine, lo spazio interno non è meno importante.

Composizione a più figure nella pittura

È interessante sapere come i famosi artisti del passato ei maestri del presente hanno affrontato i problemi legati a questa direzione artistica.

La Cappella Sistina è la più grande creazione di Michelangelo. Per dipingerlo, ha utilizzato varie scene bibliche che raccontano la creazione del mondo e l'apparizione delle persone sulla terra, ecc. Con l'aiuto della scala - le grandi dimensioni delle figure principali - il pittore ha ottenuto l'effetto di una speciale espressività di scene chiave.

Le figure di persone di Michelangelo si distinguono per la loro vivida espressione, ogni gesto ha un suo significato profondo. È anche facile da trovare e leggere. Ad esempio, una persona che stringe la testa con le mani trasmette pensosità, distacco. Immaginela figura curva esprime sconforto e dolore.

La composizione a più figure simboleggia nelle pose e nei gesti non solo l'espressività dell'azione, ma ne rivela anche il contenuto.

È interessante che spesso un gesto trasmetta l'intenzione dell'autore, svolga il suo ruolo. Attirare l'attenzione dello spettatore su qualche fenomeno con l'aiuto di una mano tesa aiuta ad espandere i confini della trama, indica cosa sta accadendo oltre la sua struttura.

Non meno importante è la visione di questa forma d'arte, ciò che sta affrontando. Pertanto, puoi collegare singole figure o combinarle in un gruppo, tagliare un carattere da tutti gli altri, evidenziandolo così.

In questa direzione artistica si distinguono composizioni a una, due e più figure.

Ritratto di gruppo statico

Per molti secoli, questo tipo di pittura ha occupato il posto più importante. Molti artisti hanno fatto soldi dipingendo ritratti. Dopotutto, in un momento in cui non c'era la fotografia, dipingere un ritratto era l'unico modo per catturare un momento importante per un lungo ricordo, per perpetuare l'immagine di te stesso e dei tuoi parenti. Durante la posa, ciascuno dei membri ha cercato di apparire attraente e ricco.

Nuove tendenze

Nel corso degli anni, un ritratto statico ha perso rilevanza, poiché gli artisti hanno sempre cercato di creare qualcosa di nuovo, di andare oltre il solito.

Uno di questi creatori era H. Rembrandt, uno dei maggiori rappresentanti dell'età d'oro della pittura olandese. Lui non èaveva paura di rompere le tradizioni e fece una rivoluzione nella direzione dei disegni di una composizione a più figure, creando la tela "Night Watch". I personaggi in questa immagine - i combattenti di una compagnia d'élite - erano raffigurati non nella parte anteriore, ma nel solito ambiente di servizio. Il ritratto è pieno di gesti vivaci ed espressioni facciali naturali.

Il 19° secolo ha portato una nuova direzione artistica nella composizione a più figure: un ritratto di gruppo di genere. In tali dipinti, le persone sono state trascinate da attività comuni: conversazione, gioco con i bambini. Paesaggi o interni domestici servivano da sfondo.

Religione e mitologia nella pittura

Le più impressionanti composizioni di sagome a più figure si trovano in tele con temi sublimi. Un ottimo esempio di ciò sono le opere di artisti rinascimentali: Michelangelo, Sandro Botticelli, Tiziano, Caravaggio, Donatello, Raffaello Santi.

Artisti moderni

I pittori del nostro tempo non usano spesso composizioni complesse a più figure. Stanley Spencer ha applicato questa tecnica nel suo lavoro, scrivendo una serie di dipinti sul tema di Cristo, tra cui L'ultima cena, la Resurrezione. L'artista britannico ha interpretato questi eventi religiosi nei costumi dei tempi moderni.

Spazio interno

Creare un interno in un dipinto presenta alcune difficoltà. Anche Giotto di Bondone, artista italiano e fondatore del Proto-Rinascimento, dipinse una composizione a più figure all'interno, spesso in uno spazio aperto. Il pittore ha aggiunto all'immagineforme architettoniche esterne: colonne, frontoni e tetti. A volte diversi interni erano raffigurati su una tela.

A quel tempo, questa tecnica nel lavoro dell'artista era percepita non come uno spazio chiuso, ma come un progetto architettonico che separa gli eventi e li rende più profondi nel contenuto.

L'evoluzione dell'interpretazione di una composizione a più figure all'interno nella pittura è descritta con maggior successo nelle opere del periodo protorinascimentale. Questo è un periodo del Rinascimento, che durò dalla seconda metà del XIII secolo fino al XIV secolo. L'attenzione in essi è principalmente concentrata sullo sviluppo di regole per la prospettiva diretta, che è più facile mostrare con esempi dell'interno, mentre il problema dell'isolamento è rimasto aperto. Il termine "interiorità" è sempre stato equivalente a una deviazione dalle norme rigide in una prospettiva diretta, aveva un compito spaziale figurativo speciale.

L'insularità e le dimensioni degli interni sono state comprese nel modo più profondo non appena l'arte ha raggiunto lo stadio di sviluppo appropriato. Sono apparse tecniche per creare l'impressione che lo spettatore sia presente all'interno.

Una componente essenziale dell'immagine è la vicinanza dell'inquadratura, le sue dimensioni e la sensazione della presenza degli stessi spettatori nell'immagine.

Tipi di spazio edificabile

Come segue dalla teoria della costruzione dello spazio architettonico, l'emergere di una prospettiva lineare diretta è associato alla necessità di utilizzare l'immagine dell'architettura.

I paesaggi naturali ne dipendono meno e, nella pittura di silhouette, l'uso diprospettive e anche più difficili. Dopotutto, la costruzione dello spazio dipende direttamente dalla plasticità degli oggetti e dei corpi.

In tali tele, dove le figure di persone occupano un posto centrale, lo spazio appare solo come risultato della sintesi, direzione e movimento delle forme.

Un esempio lampante di tale quadro è il lavoro della "Resurrezione" di El Greco. L'asse centrale sono le immagini del guerriero sconfitto e di Cristo. Intorno all'azione centrale si osserva il movimento delle figure. Figure di guerrieri sono raffigurate nel terzo piano a spirale.

Il quadro classico include ritmi lineari inseparabili e la costruzione plastica del gruppo.

Nella pittura moderna, una direzione come una natura morta scultorea è quasi completamente scomparsa. Anche l'uso di un gruppo di figure legate alla plastica è estremamente raro.

Più spesso i dipinti raffigurano una dispersione di figure, un'ampia disposizione di oggetti.

Sistema spaziale

Ogni tipo ha i propri compiti e soluzioni figurative.

Allo stesso tempo, la prospettiva classica assume una posizione subordinata e la prospettiva diretta (prospettiva lineare) aiuta a costruire un ampio spazio architettonico aperto o una scena d'azione interna.

Oggetto e spazio, la natura della presentazione dell'oggetto e dello spazio e la relazione tra loro è molto importante.

Il tipo di composizione dipende anche da questo tipo di connessione.

Conclusione

Spazio degli oggetti e sistema di posizionamento (cancellazione).gli oggetti sono creati usando il colore, il tono, la prospettiva lineare. In questa direzione, lo spazio è soggetto al soggetto. Allo stesso tempo, è possibile anche un' altra situazione, quando lo spazio domina come mezzo che assorbe gli oggetti.

Ad esempio, sulle tele di Rembrandt, i colori scuri dissolvono i contorni degli oggetti e il crepuscolo delle sue opere successive non è più solo il colore di un oggetto modificato dall'ambiente, ma uno spazio materializzato.