Statua in marmo: la storia della scultura, i più grandi scultori, i capolavori mondiali, le foto

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

Il marmo bianco è il materiale più fertile per le opere scultoree che raffigurano persone. È così morbido che si presta bene alla fresa, ma allo stesso tempo è abbastanza denso da consentire di intagliare i minimi dettagli e accettare perfettamente la molatura. La statua in marmo esprime al meglio lo stato emotivo, la sensualità e la perfezione anatomica del corpo umano. Gli scultori dell'antica Grecia furono i primi a portare l'arte della scultura a un tale livello, quando iniziò a sembrare che una pietra morta iniziasse a prendere vita, acquisendo bellissimi contorni. Da allora, artisti di altre epoche hanno costantemente cercato di migliorare la tecnica della scultura in marmo per esprimere le loro idee nobili nel modo più vivido e figurativo possibile, per trasmettere forme impeccabili e la profondità dei sentimenti umani.

Perché il marmo?

Fin dai tempi antichi, gli egizi usavano ampiamente vari tipi di pietra per la fabbricazione di forme scultoree, come ossidiana nera e bas alto, diorite verde-marrone, porfido viola, calcite morbidaalabastro, calcare. Fin dall'antichità, le statue sono state create in bronzo e leghe. Allora perché il marmo è così apprezzato dagli artisti e perché le opere di questo materiale sembrano quasi vive?

Come l'alabastro, le cui lastre sottili trasmettono bene la luce, il marmo è composto da calcite e conserva anche una certa trasmissione della luce. Una certa consistenza vellutata non forma luci contrastanti e ombre nitide e profonde che sono inerenti al metallo e produce un morbido gioco di luci e ombre. Il marmo scultoreo ha una struttura densa e il tono più chiaro, che, insieme alla levigatura liscia del materiale, riflette bene la luce, a differenza delle pietre colorate. Tutte queste qualità danno l'impressione di carne viva nelle sculture in marmo in misura maggiore rispetto a quelle create da altri materiali.

Il marmo scultoreo contiene la minor quantità di impurità, che intacca non solo il colore quasi bianco, ma anche l'uniformità della pietra. È un materiale plastico facile da lavorare, ma sufficientemente denso e duro da evitare spaccature e crepe, consentendo di elaborare i più piccoli dettagli. Ecco perché il marmo è particolarmente preferito dagli scultori.

Antichità

L'antica arte della scultura greca raggiunse il suo apice nel V secolo aC. In quel periodo si svilupparono le tecniche di base, le tecniche, i calcoli matematici necessari per la nascita delle statue. Si è formato uno speciale sistema di proporzioni che definisce l'ideale della bellezza del corpo umano ed è diventato un canone classico pertutte le generazioni di artisti. Nel corso di un secolo, il livello di maestria della scultura greca raggiunse la perfezione. Tuttavia, le statue di quel periodo erano per lo più realizzate in bronzo e legno con finiture in oro e avorio. Le statue marmoree decoravano principalmente i frontoni, i fregi e le pareti esterne dei templi, il più delle volte sotto forma di rilievi, bassorilievi e altorilievi, cioè parzialmente immersi nel piano di fondo.

A partire dal IV secolo aC, le opere scultoree della Grecia sono caratterizzate da una particolare plasticità delle pose, dal trasferimento di sensualità, drammaticità e giunzioni, per l'incarnazione di cui i maestri iniziarono a preferire il marmo. Es altando la bellezza dei sentimenti umani e del corpo, i grandi scultori antichi realizzarono statue marmoree "vive". Nei più grandi musei del mondo, le persone ammirano ancora oggi la perfezione delle forme scolpite e il lavoro virtuosistico di artisti come Scopas, Prassitele, Lisippo, scultori meno noti e coloro i cui nomi la storia non ha conservato. Le opere classiche per molti secoli sono servite come standard accademico, che, fino al periodo dell'arte moderna, è stato seguito da tutte le generazioni di scultori.

Medioevo

È incredibile quanto velocemente, con l'avvento e lo sviluppo del cristianesimo, le conquiste delle arti e delle scienze antiche siano state consegnate all'oblio. L' alta abilità degli scultori si riduceva al livello del consueto mestiere degli inetti intagliatori. Già alla fine del XII secolo statue piuttosto rozze e primitive, non del tutto scolpite e separate dale fondamenta sono rimaste parte del blocco di pietra, che è stato montato nel muro del tempio. Figure autoportanti compaiono solo dal XIII secolo, ma con volti inespressivi in pose statiche vincolate, piuttosto come idoli arcaici, sono rimasti solo un'aggiunta architettonica. La natura nuda e il riflesso della sensualità diventano inaccettabili, i principi classici della bellezza e delle proporzioni vengono dimenticati. Nella fabbricazione di una statua in marmo, più attenzione è concentrata sulle pieghe degli abiti, e non sul viso, a cui è stata data un'espressione gelata di indifferenza.

Rinascimento

I tentativi di far rivivere le conoscenze e abilità perdute della scultura, per creare una base teorica di tecniche, iniziarono alla fine del XII secolo in Italia. Con l'inizio del XIII secolo sulla penisola appenninica, Firenze divenne il centro per lo sviluppo delle arti e dell'influenza culturale, dove affluirono tutti i talentuosi e abili artigiani. Contemporaneamente, apre a Pisa la prima grande scuola di scultura, dove gli artisti studiano e riscoprono le leggi dell'architettura e della scultura antica, e la città si trasforma nel centro della cultura classica. La realizzazione di statue sta diventando una disciplina a sé stante, piuttosto che un'aggiunta minore all'architettura.

Il XV secolo fu un periodo di totale cambiamento nell'arte. Gli artisti fanno rivivere e prendono come standard le leggi delle proporzioni ei canoni di bellezza riconosciuti nell'antichità. Nella statua in bronzo e marmo, gli scultori si sforzano ancora di riflettere i sentimenti umani con nobile e sublime, di trasmettere le sottili sfumature delle emozioni, di riprodurre l'illusione del movimento e di dare sollievo alle pose delle figure. Queste qualità contraddistinguono l'opera di Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio e il più grande maestro Donatello.

Alto Rinascimento

La breve fase del Rinascimento è chiamata Alto Rinascimento, copre i primi trent'anni del XVI secolo. Questo breve periodo si è rivelato un'esplosione di genio creativo che ha lasciato creazioni insuperabili e ha influenzato la formazione di ulteriori tendenze nell'arte.

La scultura italiana nel suo sviluppo raggiunse il culmine e il suo punto più alto fu l'opera del più grande artista e scultore di tutti i tempi: Michelangelo. La statua in marmo, uscita dalle mani di questo talentuoso maestro, unisce l'elevata complessità della composizione, la perfetta lavorazione tecnica della materia, la perfetta esibizione del corpo umano, la profondità e la sublimità dei sentimenti. Le sue opere trasudano un senso di tensione, potere nascosto, colossale forza spirituale, sono piene di nobile grandezza e tragedia. Tra le opere scultoree del maestro, "Mosè", la composizione "Lamentazione di Cristo" ("Pieta") e una statua marmorea del David sono considerate una grande realizzazione del genio umano. Secondo gli storici dell'arte, dopo Michelangelo, nessuno poteva ripetere una cosa del genere. Stile potente, troppo libero ed estremamente individuale a causa dell'enorme talento dell'artista ed era fuori dalla portata dei suoi numerosi studenti, seguaci e imitatori.

Barocco

Alla fase del Tardo Rinascimento, chiamatomanierismo, si forma un nuovo stile: il barocco. Si basa sui principi del classicismo assoluto, ma le forme scultoree perdono la loro precedente semplicità delle linee, sincerità e nobiltà dell'idea. Le pose dei personaggi acquisiscono pretese e manierismi eccessivi, le composizioni intricate sono complicate da un eccesso di dettagli e i sentimenti mostrati sono teatralmente esagerati. La maggior parte degli scultori, inseguendo l'effetto esterno, cercava di mostrare solo l'abilità nell'esecuzione e la loro ricca immaginazione, che si esprimeva nello studio attento di numerosi dettagli, nella pretenziosità e nell'accumulo di forme.

Tuttavia, questo periodo è caratterizzato da una tecnica estremamente raffinata, quasi di gioielleria, e dall'abilità nella lavorazione del marmo. Scultori eccezionali come Giovanni Bologna (allievo di Michelangelo), Bernini, Algardi hanno magistralmente trasmesso l'impressione del movimento, e non solo composizione e pose di figure molto complesse, a volte apparentemente instabili, ma anche superbamente scolpite, come pieghe scorrevoli di vesti. I loro lavori sono molto sensuali, sembrano perfetti e colpiscono le emozioni più profonde dello spettatore, catturando a lungo la sua attenzione.

Si ritiene che lo stile sia durato fino alla fine del 18° secolo, manifestandosi anche in altre direzioni. Ma nel XIX secolo, quando gli artisti riproducevano solo le fasi precedenti dell'arte, le caratteristiche barocche trovavano spesso espressione nella scultura. Un esempio così sorprendente sono le statue in marmo con un velo del maestro italiano Rafael Monti, che ha creato l'impensabile illusione di un velo trasparente dalla pietra.

Conclusione

Per tutto il XIX secolo, la statua in marmo era ancora sotto l'assoluta influenza di un rigoroso classicismo. Dalla seconda metà del secolo, gli scultori sono alla ricerca di nuove forme di espressione per le loro idee. Tuttavia, nonostante la rapida diffusione del realismo nella pittura, quando gli artisti cercavano di riflettere la vera re altà della vita, la scultura è rimasta a lungo nella morsa dell'accademismo e del romanticismo.

Gli ultimi vent'anni del secolo sono stati caratterizzati da una tendenza realistica e naturalistica nelle opere degli scultori francesi Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Ma spiccava soprattutto l'opera del genio Auguste Rodin, che divenne il precursore dell'arte moderna. Le sue opere mature, che spesso suscitavano scandalo e venivano criticate, incarnavano le caratteristiche del realismo, dell'impressionismo, del romanticismo e del simbolismo. Le sculture "Citizens of Calais", "The Thinker" e "The Kiss" sono riconosciute come capolavori mondiali. La scultura di Rodin è il primo passo verso le forme delle prossime tendenze del XX secolo, quando l'uso del marmo si è progressivamente ridotto a favore di altri materiali.