Pittura monocromatica: caratteristiche, esempi

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

Gli artisti hanno notato da tempo che il colore può essere usato per evocare forti risposte emotive nelle persone. Artisti come Van Gogh si sono ispirati a questo per creare capolavori pieni di molti colori. Tuttavia, altri artisti la pensano diversamente. Si sforzano di creare un capolavoro usando un solo colore.

Definizione

La pittura monocromatica è un'opera d'arte dipinta con un solo colore. Infatti, la parola "monocromatico" significa letteralmente "un colore". Questo è un approccio diverso all'arte, tuttavia, è usato molto più ampiamente di quanto la maggior parte delle persone pensi.

Tecnica

Come viene creato un dipinto se viene utilizzato un solo colore? La chiave di ciò è che, ad esempio, il blu e il verde sono colori diversi, ma il blu navy e il ciano non sono diversi; sono solo sfumature dello stesso colore. Il bianco può essere aggiunto al colore di base, rendendolo più chiaro. Teoricamente, questo può essere continuato fino a quando non si ottiene un bianco quasi puro. Allo stesso tempo, il colore può essere scurito aggiungendo il nero. Così gli artistipuò dipingere un'intera immagine, composta da linee, elementi e forme in diverse tonalità, che tecnicamente sono un dipinto in un colore.

Perché usare la tecnica della pittura monocromatica

Gli artisti sanno quanto profondamente il colore si rifletta nelle emozioni umane. I dipinti monocromatici sono diventati potenti mezzi per provocare profonde esperienze personali, incoraggiando ulteriormente gli artisti a esplorare le emozioni e la spiritualità attraverso l'arte monocromatica.

Gli artisti riducono la loro tavolozza di colori per molte ragioni, ma principalmente è un modo per focalizzare l'attenzione dello spettatore su un particolare soggetto, concetto o tecnica. Senza tutte le complessità della lavorazione del colore, diventa possibile sperimentare la forma, la trama, il significato simbolico.

La pittura monocromatica in nero, bianco e grigio è anche chiamata grisaille.

Sviluppo della direzione

Le prime opere d'arte occidentale sopravvissute realizzate in grisaille furono create nel Medioevo. Sono stati progettati per eliminare tutte le distrazioni e focalizzare la mente. Poiché il colore pervade la vita di tutti i giorni, il bianco e nero può segnalare una transizione verso l' altro mondo o avere un contesto spirituale.

Per alcuni il colore era un frutto proibito e bandito dagli ordini religiosi che praticavano una forma di ascetismo estetico. Ad esempio, le vetrate con la tecnica della grisaille furono create dai monaci cistercensi nel XII secolo in alternativa alle luminose finestre delle chiese, con le sue traslucidepannelli grigiastri, con immagini talvolta dipinte in nero e giallo. Leggera ed elegante nell'aspetto, la griglia della finestra di vetro ha guadagnato popolarità al di fuori dell'ordine e alla fine è diventata il modello in molte chiese francesi.

Studi su luci e ombre

Dal XV secolo, gli artisti hanno dipinto in bianco e nero per far fronte alle sfide poste dai soggetti e dalle composizioni che raffigurano. L'eliminazione del colore consente agli artisti di concentrarsi su come la luce e l'ombra cadono sulla superficie di una figura, un oggetto o una scena prima di passare a una tela a colori.

Dipinti Grisail

Sempre più, i dipinti in grisaille iniziarono ad apparire come opere d'arte indipendenti.

Santa Barbara di Jan van Eyck (1437, Museo Reale di Belle Arti di Anversa) è il primo esempio conosciuto di opera monocromatica su tavola dipinta con inchiostro di china e olio.

Per secoli, gli artisti si sono sfidati a imitare l'aspetto della scultura in pietra nella pittura. Il Nord Europa aveva una predilezione per elementi decorativi illusori come pitture murali decorative e intonaci scolpiti. Il maggior successo in questa pratica è stato ottenuto dall'artista Jacob de Wit. Il suo lavoro potrebbe essere facilmente scambiato per un rilievo murale tridimensionale.

Astrazione

Gli artisti astratti si rivolgono spesso alla pittura monocromatica. Quando gli artisti hanno accesso a tutto il possibilesfumature, la mancanza di colore può essere tanto più scioccante o stimolante. Nel 1915, l'artista di Kiev Kazimir Malevich dipinse la prima versione del suo rivoluzionario Black Square e annunciò che era l'inizio di un nuovo tipo di arte non rappresentativa. Il lavoro di Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella e Cy Tumbley illustra l'uso del colore minimo per il massimo impatto.

Gli artisti incuriositi dalla teoria del colore e dagli effetti psicologici del colore (o dalla sua mancanza) manipolano la luce, lo spazio e la tonalità per evocare una risposta specifica da parte dello spettatore.

Pittura a inchiostro

Questo tipo di arte consente all'artista di creare aree di contrasto pronunciate. Nella maggior parte dei casi, la pittura a inchiostro è l'applicazione di inchiostro nero su una superficie bianca, risultando in questo contrasto. Per creare le transizioni necessarie durante l'ombreggiatura, viene utilizzato il metodo di applicazione di più livelli. Tali metodi includono, ad esempio, vari tipi di tratteggio.

Pittura monocromatica del Giappone

Questo tipo di arte viene dalla Cina. È in questo contesto culturale, filosofico e artistico che nasce la pittura monocromatica.

Di tutte le arti in Cina, la pittura è la più importante, rivela il segreto dell'universo. Si basa su una filosofia fondamentale, il taoismo, che espone concetti chiari di cosmologia, destino dell'uomo e relazione tra l'uomo e l'universo.

La pittura è l'applicazione di questa filosofia mentre penetra nei misteri dell'universo.

Nel tradizionaleLa pittura cinese ha quattro soggetti principali che sono fondamentalmente gli stessi nella pittura giapponese: paesaggi, ritratti, uccelli e animali, fiori e alberi.

In Giappone, durante l'era Kamakura (1192-1333), il potere fu preso dai guerrieri (samurai). In quest'epoca, grazie al pellegrinaggio dei monaci in Cina e al loro commercio lì, un gran numero di dipinti furono portati in Giappone. Questo fatto influenzò notevolmente gli artisti che lavoravano nei templi commissionati da mecenati e collezionisti d'arte (shogun).

L'importazione non solo ha ispirato un cambiamento nell'argomento, ma ha anche promosso un uso innovativo del colore: yamato-e (dipinto a pergamena lunga IX-X secolo) è stato sostituito da tecniche monocromatiche cinesi.

Le straordinarie opere dei grandi maestri e pittori buddisti delle dinastie Tang e Song, dipinti scritti con inchiostro nero cinese, erano chiamati suibok-ga o sumi-e in Giappone (fine XIII secolo). Questo stile di pittura fu originariamente monopolizzato dai buddisti Zen e poi adottato da monaci e artisti intrisi di questo spirito, e per molto tempo la pittura a inchiostro nero e la pittura Zen (Zenga) furono praticamente inseparabili.

Il più grande maestro di sumi di questo periodo è Sesshu Toyo (1420-1506), un monaco di Kyoto che studiò pittura a inchiostro in Cina. Sesshu è stato l'unico artista che ha assimilato le basi filosofiche di questo tipo di pittura e l'ha incarnato con uno spirito originale nei temi e nel linguaggio artistico giapponesi, oltre che in relazione alle rappresentazioni spaziali del cineseartisti di quel tempo.