La geometria nella pittura: la bellezza delle forme chiare, la storia dell'origine dello stile, gli artisti, i titoli delle opere, l'evoluzione e le prospettive

2024 Autore: Leah Sherlock | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 05:40

La geometria nell'arte era quasi sempre presente. Esistendo, tuttavia, in epoche diverse, la geometria nella pittura, nella scultura e nell'architettura ha assunto significati diversi. A volte è apparso nel ruolo della prospettiva, essendo uno strumento per trasmettere il volume su un piano, e in seguito è sfociato in un concetto letterale, presentando oggetti geometrici come oggetti d'arte. Nei dipinti con astrazione, la geometria diventa il protagonista principale della trama, mentre nei dipinti rinascimentali è responsabile solo dell'immagine spaziale.

Il concetto di prospettiva

La prospettiva è un modo per rappresentare oggetti su un certo piano, tenendo conto delle contrazioni visive delle loro dimensioni, nonché dei cambiamenti nei confini, nelle forme e nelle altre relazioni che si vedono in natura. Pertanto, questa è una distorsione delle proporzioni dei corpi e della geometria dell'immagine durante la loro percezione visiva.

Tipi di prospettiva nella pittura

Geometria inpittura e scultura sono fondamentalmente diverse l'una dall' altra, sebbene vadano fianco a fianco, come la scienza e l'arte, e siano intrecciate incessantemente da molti secoli. Durante il Rinascimento, l'arte ha acceso lo studio della geometria. La geometria nella pittura ha arricchito l'arte, introducendo nuove possibilità e qualità fondamentalmente diverse. Al momento, abbiamo l'opportunità di guardarlo da una nuova prospettiva. In quanto ramo principale della matematica, la geometria nella pittura è il collegamento che attraversa la storia.

Ci sono tre metodi per riprodurre lo spazio 3D su una superficie pittorica 2D:

• prospettiva (avanti e indietro);
• metodo di proiezione ortogonale;
• assonometria.

Cronologia

Questi fondamenti fondamentali della geometria nella pittura sono stati attuati in vari stadi della formazione della cultura artistica, quando ciascuno dei metodi ha trovato l'espressione più appropriata. Ad esempio, il sistema delle proiezioni ortogonali divenne la base dell'arte dell'Antico Egitto, mentre l'assonometria, detta anche prospettiva parallela, divenne caratteristica delle immagini dell'era medievale del Giappone e della Cina. La prospettiva inversa divenne un tipico metodo di rappresentazione sulle icone dell'antica Russia e di Bisanzio, e la prospettiva diretta si diffuse durante il Rinascimento, diventando la base della pittura monumentale dell'arte europea e russa del XVII-XIX secolo.

L'idea delle proiezioni ortogonali è stata suggerita all'uomo dalla natura: l'ombra proiettata da un oggetto è la piùuna semplice analogia dell'immagine di un oggetto tridimensionale su un piano bidimensionale. Ma questa proiezione non è in grado di trasmettere la profondità del mondo reale, quindi nell'antico Egitto iniziarono a essere notati i primi tentativi degli artisti di approfondire l'assonometria.

L'assonometria ha veicolato il piano frontale dell'oggetto senza alcuna distorsione. Potrebbe dare un'idea del volume dello spazio raffigurato, ma la profondità stessa è rimasta un valore oscuro. La matematica interpreta questa geometria nella pittura come una proiezione centrale con un centro infinitamente distante. Tuttavia, il metodo dell'assonometria, chiamato anche prospettiva libera, è noto fin dall'antichità. Dal 2° al 18° secolo, i piani per gli insediamenti furono presentati in modo simile, come da una prospettiva a volo d'uccello.

Le carenze dell'assonometria furono colmate nel Rinascimento, quando iniziarono a svilupparsi idee sulla prospettiva. Tale sistema ha acquisito una serie di regole basate su calcoli. Questo metodo si distingueva per la sua complessità, ma allo stesso tempo riproduceva accuratamente il mondo circostante. La prospettiva rinascimentale ha ampliato la portata della visione del mondo umana, aprendo nuove opportunità e conoscenze per le persone.

Prospettiva in via di sviluppo

L'assonometria ha cambiato le proiezioni ortogonali, che poi hanno lasciato il posto alla prospettiva. L'origine della geometria nella pittura per fasi è avvenuta gradualmente, in una sequenza rigorosa. La complessità del metodo ne determinava la posizione in questo schema: il metodo delle proiezioni ortogonali, in quanto il più primitivo, occupava il primo posto nella storia dello sviluppo. Ha aiutato a riprodurre i contorni di oggetti reali senzadistorsione.

Ciascuno dei metodi della geometria è diventato un passo importante nello sviluppo della pittura. C'era la ricerca del sistema più perfetto per la trasmissione di immagini visive.

Spazi oggettivi e soggettivi

L'uomo è circondato da due spazi geometrici. Il primo è uno spazio reale, oggettivo, mentre il secondo è generato dal lavoro del cervello e dell'occhio. Le persone vedono e percepiscono nella loro mente, motivo per cui è chiamato spazio soggettivo o percettivo.

La storia della pittura è passata dall'immagine dello spazio reale a quella visiva, soggettiva. Nei secoli XIX-XX, i creatori si avvicinarono intuitivamente alla creazione di una prospettiva percettiva, che veniva mostrata nelle loro opere sotto forma di varie deviazioni dal sistema rinascimentale. La teoria generale della prospettiva, sia rinascimentale che percettiva, è stata creata dall'accademico B. V. Raushenbakh.

Ha scoperto che non ci può essere un'unica prospettiva nell'immagine dello spazio visibile, così come non ci sono metodi perfetti per rappresentare lo spazio tridimensionale sulla superficie. L'immagine esatta dello spazio tridimensionale è impossibile in linea di principio: con tutto il suo desiderio, l'artista può solo dare un'immagine geometrica approssimativa del mondo reale. In base ai suoi obiettivi, l'artista può scegliere l'uno o l' altro metodo che lo aiuterà a esprimere in modo più accurato la sua idea. Pertanto, non sarebbe corretto rimproverare all'antico maestro egizio di eccessiva semplicità, a quello giapponese la mancanza di profondità, a quello antico russo di snaturare la prospettiva, elogiando nel contempo il creatore del Rinascimento. Tuttavia, gli artisti del Rinascimento possono essere accusati di essere troppo fotografici.

Pittura ortogonale dell'Antico Egitto

L'intera filosofia degli antichi egizi è permeata dall'idea dell'eterno assoluto del faraone, venerato come figlio di Dio. Questa situazione non poteva che riflettersi nell'arte e nella pittura della cultura antica. Ogni oggetto immagine è stato compreso in isolamento dallo spazio circostante, il creatore ha approfondito l'essenza dell'oggetto, scartando tutto ciò che è momentaneo e insignificante, lasciando solo immagini eterne e autentiche, indipendenti dal tempo e dallo spazio - immagini nominali. Sono stati composti in interi messaggi e immagini-narrazioni. La pittura dell'antico Egitto era strettamente intrecciata con la scrittura, immagini mescolate a geroglifici.

Per incarnare l'idea dell'eterno nell'immagine-nome, è stato utilizzato il metodo delle proiezioni ortogonali. Gli artisti dell'antico Egitto vedevano l'unico vero modo in questo modo: solo in questo modo la forma può essere catturata senza inutili distorsioni. Hanno fornito allo spettatore informazioni sul mondo reale.

Non avendo l'opportunità di trasmettere tutte e tre le proiezioni dell'oggetto, l'artista scelse il lato più caratteristico dell'oggetto: ecco perché quando si ritraggono animali è stata scelta la vista di profilo: era così facile da trasmettere le caratteristiche individuali della specie, oltre a raffigurare le zampe, nelle quali si trovano a seconda della situazione, potrebbero camminare o rimanere a riposo. Il petto e le spalle erano raffigurati rivolti verso lo spettatore. I nemici sconfitti sono stati raffigurati dall' alto - per il massimo contenuto informativo.

Gli antichi creatori egizi ne hanno creati di propriopere, basandosi non tanto sulla visione quanto sulla speculazione, ha permesso all'artista di combinare diversi punti di vista in un'unica opera. La speculazione ha contribuito allo sviluppo di un sistema matematico di regole nella rappresentazione di una figura umana, che è stato chiamato il canone. Ha confermato l'atteggiamento del pittore nei confronti della conoscenza e del potere, essendo un simbolo di iniziazione ai segreti dei sacerdoti. Più rigida era la struttura del canone, maggiore era l'abilità necessaria all'artista per l'immagine.

Le immagini erano volutamente bidimensionali, ma questo non ha affatto infastidito gli autori: gli antichi egizi non si sono posti il compito di visualizzare lo spazio tridimensionale, piuttosto, perseguendo l'obiettivo di trasmettere informazioni preziose. Quando c'era un'azione nell'immagine, l'evento non si sviluppava in profondità, ma lungo il piano della tela, muovendosi lungo le linee.

Tuttavia, il problema della rappresentazione dello spazio è sorto gradualmente nella pittura dell'Antico Egitto. A volte l'artista metteva una figura dietro l' altra, ma questa tecnica era tutt' altro che vincente. Ad esempio, nell'immagine del faraone Akhenaton, si poteva solo immaginare la moglie seduta accanto all'immagine della sua mano, che abbracciava suo marito. Il palmo sembrò apparire dal nulla, e il secondo riposava pacificamente nella mano del faraone.

Ma c'erano esempi più riusciti di geometria nei dipinti degli artisti, ad esempio, quando raffiguravano arcieri. Ogni arciere successivo, in piedi dietro, era raffigurato con uno spostamento leggermente in alto e verso destra: questo dava l'impressione di profondità. In termini di geometria, questa è già chiamata assonometria obliqua frontale.

Necessità di rappresentare lo spazio tridimensionaleporta allo sviluppo dei sistemi geometrici nella pittura - assonometria. Sebbene i suoi rudimenti iniziassero a essere trovati nella pittura dell'Antico Egitto, ricevette il suo vero sviluppo in seguito.

Pittura parallela dell'Oriente medievale

I tentativi di trasmettere la profondità su un piano iniziarono a essere trovati nella pittura dell'antico Egitto, il che portò alla creazione di un nuovo sistema: l'assonometria, che è anche chiamata prospettiva parallela. Questo sistema è stato chiamato "lisca di pesce" dagli storici dell'arte per analogia: aveva un asse di fuga e gravitava verso la prospettiva lineare, ma non si è mai sviluppato in esso.

"Lisca di pesce" è stato trovato non solo nell'antico Egitto, ma anche nelle immagini dell'antica Roma e dell'antica Grecia. Tuttavia, Roma cadde presto, non avendo avuto il tempo di sviluppare sufficientemente il sistema della geometria nei dipinti degli artisti, e l'assonometria trovò il suo sviluppo solo per diversi secoli, trovando il suo posto nella pittura della Cina e del Giappone medievali.

La cultura e l'arte della Cina non erano incatenate da dogmi religiosi: taoismo, confucianesimo e buddismo coesistevano pacificamente fianco a fianco da queste parti. Sullo sfondo degli insegnamenti culturali e filosofici, si sono sviluppate due aree dell'arte: laica e religiosa. La via della conoscenza della verità passava attraverso la rinuncia al clamore mondano, rivolgendosi alla natura per la calma e la purificazione spirituale. La geometria dell'immagine e la percezione visiva erano difficili sia per lo spettatore che per l'artista. L'artista cinese ha percepito la natura e la sua rappresentazione come uno spazio spirituale in cui si è dissolta la personalità di chi guarda. Ecco perché si è diffusopaesaggio.

L'assonometria come proiezione centrale con un centro di proiezione infinitamente distante si adattava idealmente a questa filosofia di contemplazione. Il punto di vista dell'artista, per così dire, è stato spostato all'infinito, dissolvendosi nello spazio della natura: l'artista è diventato parte dell'arte stessa. L'assonometria non conosce né l'angolo di campo, né i punti di fuga, e nemmeno la linea dell'orizzonte, perché sembra eludere l'osservatore, salendo da qualche parte verso l' alto e dissolvendosi nello spazio e nell'osservatore. L'arte del paesaggio orientale era uno sguardo dall'infinito che attraversava l'immagine e si precipitava ulteriormente nell'infinito.

La prospettiva parallela è più rivelatrice nella pittura cinese nelle immagini con edifici costruiti dall'uomo - parallelepipedi di case e altre strutture umane. L'assonometria della geometria nei dipinti a olio è ovvia, ma anche qui puoi vedere che le scene della vita umana sono viste dall'artista come da lontano, dall'infinito, il che simboleggia la piccolezza delle preoccupazioni e dei problemi umani: il mondo appare come un formicaio.

L'assonometria ha tre coordinate. Se si sceglie un punto di vista tale che i due assi rappresentino la proiezione ortogonale frontale, si noterà una distorsione lungo la terza coordinata. Tale proiezione è chiamata assonometria obliqua frontale, in cui solitamente lavoravano i maestri cinesi. Il coefficiente di distorsione per la terza coordinata non è fisso, quindi non è possibile giudicare la profondità dalle prime due coordinate. La sfocatura della profondità è es altata dal parallelismo delle linee, che non tendono a un punto comelontano dall'osservatore. Quindi in una proiezione parallela sorgono due principi opposti: piatto e profondo. L'immagine ha un inizio profondo, ma in re altà è una fetta piatta che si sposta in profondità senza tagli metrici.

Gli artisti orientali hanno usato abilmente questa contraddizione, trasformandola in una sorta di compromesso tra piatto (Antico Egitto) e profondo (Rinascimento). Questa dialettica di opposti opposti si adatta perfettamente all'antica filosofia cinese dello Yin-Yang. Yang per il pittore cinese simboleggiava i luoghi luminosi nell'immagine: montagne, neve, nuvole. Yin riempiva le zone oscure: acque e pianure, dove scorrevano tutte le impurità. I paesaggi cinesi in bianco e nero sono stati eseguiti non solo magistralmente, ma anche con sentimento e pensiero.

Per quanto riguarda l'arte giapponese, deriva dall'antica cultura cinese. Ma ancora, separato dal mondo intero dai mari, il Giappone ha mantenuto la sua cultura originale fino ai giorni nostri. Nel corso della storia dell'arte giapponese, la pittura non ha conosciuto cambiamenti drastici. La base geometrica era la stessa prospettiva parallela. Ciò è particolarmente significativo nelle opere del famoso Katsushika Hokusai. Il suo lavoro è diventato l'apice della geometria delle proiezioni parallele nella pittura.

Prospettiva rinascimentale lineare

Il mondo ha cominciato a cambiare, e questo non poteva che influenzare la creatività: i vecchi canoni sono crollati, sono arrivati nuovi pensieri, la conoscenza empirica ha trionfato sull'esperienza visiva. La prospettiva è diventata il linguaggio geometrico dell'arte. Sebbenei germi di un nuovo metodo sono stati trovati nell'antichità, solo con il Rinascimento questa proiezione è stata pienamente sviluppata.

La prospettiva lineare si basa sulle leggi dell'ottica geometrica, riflettendo lo spazio percettivo nell'immagine. La visione diventa dominante sulla speculazione. La prospettiva combinava due caratteristiche principali della cultura rinascimentale: razionalismo ed empirismo.

Gli strumenti principali nelle mani degli artisti erano la linea dell'orizzonte e il punto di fuga. Il punto di fuga è il punto principale dell'immagine e il centro della composizione, e le linee parallele che tendono ad esso sono progettate per condurre lo spettatore alla sua fonte semantica. La composizione del dipinto ha acquisito una rigorosa simmetria verticale, passando per il punto principale.

Gli artisti rinascimentali hanno cercato non solo di trasmettere la profondità dello spazio, ma anche di calcolarla. Ecco perché nei dipinti era spesso possibile osservare quadrati di piastrelle per pavimenti o soffitti, perché erano un sistema di coordinate. Così l'architettura nella pittura divenne l'architettura della pittura.

Insieme alla geometria, nell'arte del Rinascimento giunse un nuovo pensiero artistico. La prospettiva rinascimentale fu una rivoluzione nel pensiero artistico e nella comprensione dell'arte. La pittura iniziò a riflettere un profondo interesse per la scienza.

Prospettiva inversa del dipinto dell'antica Russia

A causa del rigoroso allineamento delle regole geometriche, questa versione della prospettiva sembrava l'unica corretta di tutte. Tuttavia, c'era un altro sistema di prospettiva: il contrario.

Pittura antica russa, ahimè,quasi mai arrivato ai nostri giorni. L'olio essiccante, che serviva a ricoprire il dipinto per una migliore conservazione, aveva la proprietà di scurirsi con il tempo, tanto da trasformarsi nel corso dei secoli in una patina nera impenetrabile. Era consuetudine sm altire tali tavole annerite facendo rafting lungo i fiumi, o bruciarle, o rinnovarle lungo contorni appena leggibili.

Ciò continuò fino alla fine del secolo scorso, quando sotto uno strato nero se ne scoprì un altro, seguito da un secondo, un terzo, un quarto e un quinto, finché improvvisamente emersero dalle profondità colori brillanti e penetranti dei secoli. Questa scoperta ha segnato il ritorno dall'oblio di un'intera era della cultura russa.

Grazie a questo sguardo si è aperta una nuova prospettiva, diversa dal Rinascimento, che gli storici dell'arte hanno subito soprannominato primitiva, ingenua e sbagliata. La pittura dell'antica Russia combinava molte contraddizioni, ma diventa presto chiaro che non si tratta di un insieme di incongruenze, ma di un sistema di prospettiva diverso da tutti gli altri, che era chiamato reverse.

Le origini della prospettiva inversa sono nell'arte bizantina, da cui è cresciuta l'antica cultura russa. Sorprendentemente, è stato il contrario che è diventato la base per creare una prospettiva diretta, familiare agli europei.

Ma in un modo o nell' altro, né i pittori dell'antica Russia né quelli bizantini aderirono rigorosamente alle regole della prospettiva inversa. I maestri facevano affidamento sul proprio senso della bellezza e della misura. Molti si chiedono cosa abbia causato la divergenza di linee parallele nella prospettiva inversa. Seguendo uno dei punti di vista, le sue radici risalgono ai compiti religiosi: le immagini sulle icone dovrebberodovevano convincere il credente della re altà di ciò che non era in grado di spiegare. La prospettiva inversa pone lo spettatore, per così dire, nel punto di convergenza di linee parallele, e tutto ciò che vede di fronte a lui sembra aumentare con la distanza dal suo punto di vista. Quindi c'è il senso della re altà dell'irreale, l'impressione dell'insignificanza della propria persona di fronte a quella raffigurata nella foto. Questo è ciò che ha enfatizzato il significato e il significato dell'icona attraverso il display nel sistema di prospettiva inversa.

Arte Moderna

Oggi la geometria nella pittura, nella scultura e nell'architettura ha assunto un significato letterale. I tempi stanno cambiando e nell'arte contemporanea le proiezioni e le prospettive non sono più così importanti. Ora la geometria nella pittura è uno stile che spicca nella vita reale.

I suoi inizi risalgono al 900-700. AVANTI CRISTO e. I critici d'arte individuano lo stile proto-geometrico. Era tipico di varie arti e mestieri. Ma più vicino al 20° secolo, la geometria ha acquisito un nuovo significato non solo per la pittura, ma per l'arte in generale.

La geometria nella pittura non ha nome, almeno uno adatto a ogni creatore. Stili come il cubismo, l'astrattismo, il suprematismo, il futurismo e molti altri cominciarono a distinguersi, dove la geometria stessa divenne una specie di oggetto d'arte. Le figure in questi stili di pittura e scultura hanno creato un numero enorme di soggetti innovativi che eccitano le menti degli spettatori fino ad oggi. Opere controverse, ma compositivamente accurate e armoniosele arti ispirano i contemporanei a nuove conquiste creative.

Tra i famosi artisti con la geometria nella pittura ci sono, ad esempio, Malevich, Kandinsky, Picasso e molti altri. Il loro lavoro è noto anche a coloro che sono nuovi all'arte. La geometria nei dipinti degli artisti moderni è molto più pronunciata che nelle opere di antichi maestri, il che rende tali esempi facili da ricordare. Ricorda almeno il "Quadrato nero", le discussioni su cui ancora non si placano.

Manifestazioni di tale creatività possono essere sia dipinti con geometria astratta, dove i cerchi incontrano triangoli e linee, formando un unico insieme con una composizione ben bilanciata e un significato specifico, sia sculture sorprendenti, costituite dalle figure più semplici, ma in cui puoi leggere una profonda comprensione della struttura del mondo e degli oggetti circostanti. Le opere moderne sono spesso velate, ma allo stesso tempo guardano all'essenza stessa, tirando fuori l'idea originale del soggetto, a volte nella forma più inaspettata. La geometria nella pittura moderna non è più uno strumento per creare arte, ma il mezzo stesso, l'essenza dell'idea.

In precedenza, le persone hanno studiato la prospettiva e le sue varietà per arrivare all'immagine più completa e accurata del mondo che li circonda. Ora, la geometria nella pittura per immagini ha portato le persone a una comprensione fondamentalmente nuova del mondo che li circonda, la sua componente non letterale. Le persone guardavano i dipinti in un modo nuovo.

La geometria nei dipinti degli artisti moderni si manifesta molto più chiaramente che nelle opere degli antichi maestri. Oggi è importante per gli artisti nonla perfezione della riproduzione dell'involucro esterno degli oggetti tridimensionali nel piano e l'esatto trasferimento dell'essenza degli oggetti con l'aiuto di un minimo di mezzi e di un massimo di espressione.

Si può concludere: la geometria nella scultura e nella pittura torna al suo inizio. C'era una volta, per i creatori era importante fissare l'idea dell'oggetto raffigurato, e solo in seguito sono passati al desiderio di rappresentare il mondo che li circonda nel modo più accurato possibile. Ora la geometria dell'immagine e la percezione visiva stanno tornando all'inizio, quando l'accuratezza e l'allineamento della prospettiva non sono così importanti, ma la chiarezza del pensiero è preziosa.